Caravaggio à Rome

1600-01
Huile sur toile, 230 x 175 cm
Chapelle de Cerasi, Santa Maria del Popolo, Rome

En 1600, peu après avoir terminé les deux premières toiles de la chapelle de Contarelli, Caravaggio signe un contrat pour peindre deux tableaux de la chapelle de Cerasi à Santa Maria del Popolo. L’église a un intérêt particulier en raison des œuvres qu’elle contient de quatre des plus grands artistes ayant jamais travaillé à Rome: Raphaël, Carracci, Caravaggio et Bernini. Il est probable que lorsque Caravaggio a commencé à peindre pour l'une de ses chapelles, l'Assomption d'Annibale Carracci était en place au-dessus de l'autel. Les représentations du Caravage des événements clés dans la vie des fondateurs du siège romain ont peu de points communs avec les couleurs brillantes et les attitudes stylisées d'Annibale, et Caravage semble de loin l'artiste le plus moderne.

Parmi les deux tableaux de la chapelle, la plus remarquable est la représentation du moment de la conversion de saint Paul. Selon les Actes des Apôtres, sur le chemin de Damas, Saul le Pharisien (bientôt l'apôtre Paul) est tombé à terre quand il a entendu la voix de Christ lui dire: 'Saul, Saul, pourquoi me persécutes-tu? ' et a temporairement perdu la vue. Il était raisonnable de supposer que Saul était tombé d'un cheval.

Caravaggio est proche de la Bible. Le cheval est là et, pour le tenir, un palefrenier, mais le drame est intériorisé dans l'esprit de Saül. Il est allongé sur le sol, assommé, les yeux fermés comme s'il était ébloui par la lumière de la lumière de Dieu qui ruisselle sur la partie blanche du cheval à brochettes, mais le fait que la lumière soit céleste n'est évidente que pour le croyant, car Saul n'a pas de halo. Dans l'esprit de Luc, considéré à l'époque comme l'auteur des Actes, Caravaggio donne une apparence naturelle à l'expérience religieuse.

Techniquement, la photo a des défauts. Le cheval, basé sur Dürer, a l'air enfermé, il y a trop de choses qui se passent à la base de la composition, trop de pieds serrés ensemble, sans même parler des mains évasées de Saul et de son épée abandonnée. Bellori estime que la scène est «entièrement sans action». Comme un compositeur qui valorise le silence, Caravaggio respecte le calme.

Santa Maria del Popolo

Piazza del Popolo, 12

La crucifixion de saint Pierre. Santa Maria del Popolo.Conversion sur le chemin de Damasco. Santa Maria del Popolo.

Sur le côté nord de la Piazza del Popolo se trouve une église contenant deux peintures de Caravaggio dans la chapelle de Cerasi. La crucifixion de saint Pierre (1600) montre le martyre de Pierre qui a demandé à être crucifié à l'envers pour ne pas imiter la mort de Christ. Le regard de surprise et de chagrin sur son visage alors qu'il observe le clou percé dans sa main rend cette scène émouvante et tragique. Dans Conversion sur le chemin de Damas (1601) Saint Paul est tellement choqué par l'esprit du seigneur qu'il est tombé de son cheval dans un profond moment d'extase religieuse. La peinture capture parfaitement son abandon total à Dieu.

Caravage

Caravaggio, 1573-1610, vaut la peine d'être connu pour trois raisons principales: son utilisation dramatique du clair-obscur (ou de forts contrastes entre la lumière et l'obscurité), sa vie personnelle inhabituelle (il a tué un homme lors d'une bagarre, s'est échappé, puis est décédé quelques années plus tard. plus tard) et son influence sur le style de peinture baroque. La façon dont il utilisait la lumière et l'obscurité pour créer une ambiance était sévère, cette technique consistant à maintenir certaines zones d'un tableau sombre et à utiliser presque un effet de lumière intense s'appelle ténébrisme.

Vous pouvez voir environ un tiers du travail du Caravage à Rome dans les musées et les églises. Ma façon préférée de découvrir le pouvoir de son travail est de sauter les musées et de voir trois de ses peintures à l'église de San Luigi dei Francesi à Rome.

San Luigi dei Francesi

Piazza di San Luigi de Francesi

L'église Saint Louis des Français.

Située dans le quartier où Caravaggio a passé une grande partie de son temps à travailler et à faire la fête, cette église contient une séquence de la vie de saint Matthieu. L'appel de saint Matthieu (1600) décrit le moment où Christ inspire Matthew à le suivre, mais l'action se déroule dans ce qui ressemble à un pub du XVIIe siècle où vous, spectateur, pourriez regarder depuis une autre table. L'inspiration de saint Matthieu (1602) montre un ange dictant son œuvre divine à Matthieu. Le martyre de saint Matthieu (1600) raconte la mort du saint à un moment dramatique, le meurtrier étant sur le point de poignarder Matthew déchu au milieu d’un océan de corps tordus et de visages angoissés. La lumière éclaire le centre tout en absorbant l'obscurité se ferme depuis la périphérie.

Basilique de Sant’Agostino

Piazza di Sant’Agostino

Madone du pèlerin. Basilique de Sant’Agostino.

dans le Madonna de Loreto ou Madone du pèlerin (1606) Caravaggioshocked officiers de l'église avec sa représentation de la Vierge Marie avec les mêmes pieds nus que les deux pèlerins qui la prient au lieu d'une vision de la perfection et de la beauté sainte. Les halos sur elle et sur l'enfant du Christ sont à peine visibles et le modèle qu'il a utilisé pour peindre la plus sainte femme de la Bible était une prostituée dans la vie réelle. Caravaggio croyait qu’il fallait dépeindre les personnages religieux avec une justesse naturaliste: une habitude qui l’avait fait gagner les fans de la rue et les ennemis de l’église.

Musée du Capitole

Jean Baptiste, jeunesse avec un bélier (1602) remplit complètement la toile, exigeant l'attention du spectateur. Les nuances étonnamment sexuelles sont assez flagrantes: la silhouette principale, nue et exposée, s’allonge sur un lit de draps froissés, embrassant un bélier dont la tête est penchée pour l’embrasser. Les jeunes se tournent vers le spectateur avec un regard peut-être alarmant après avoir été «attrapés», mais aussi avec un sourire enjoué et invitant.

Vatican-Pinacothèque

Capturant le mouvement dramatique à mi-scène qui était populaire dans l'art baroque, La mise au tombeau du Christ (1603) montre le moment où les disciples du Christ portent son corps de la croix à la tombe. Les personnages ne sont pas idéalisés et la scène est rendue de la manière la plus réaliste possible, le corps du Christ pesant et difficile à porter. Un doigt de l'un des disciples se glisse même dans la plaie du côté du Christ afin de provoquer une réaction instinctive sur une image religieuse. déjà dépeint des centaines de fois auparavant.

"L'appel de saint Matthieu"

Ce chef-d'œuvre de Caravaggio montre le moment même où Jésus a inspiré Matthieu à le suivre. Debout à côté de Saint-Pierre, Jésus pointe Matthieu, assis à une table avec quatre autres hommes. Il est évident que le Caravage a été inspiré par le monde réel dans la plupart de ses œuvres et que cette œuvre ne fait pas exception à la règle, car il ancre la scène biblique dans une réalité moderne. Il est également possible qu’il ait été influencé par la peinture de Dieu de la chapelle Sixtine de Michel-Ange, montrant directement Adam pour le réveiller.

Galleria Borghese

Avec une demi-douzaine de tableaux, cette galerie présente le plus exquis des Caravaggio au mètre carré de Rome. le Madone des Palafrenieri (1605) était si choquant qu'elle fut rapidement retirée de l'église pour laquelle elle avait été commandée et vendue à Scipione Borghese. St. Ann, la mère de la vierge, est représentée comme une vieille femme usée par le temps et la vierge elle-même (peut-être le même modèle, prostituée du Madone du pèlerin) comme une maman aux gros seins et aux cheveux décoiffés, montrant à l'enfant du Christ comment combattre un serpent, symbole du diable.

Répondre au wiki

Charles V (1500-1558) suggérait qu'une langue particulière était la mieux adaptée à un usage particulier:

  • L'espagnol comme langue de religion (Inquisition espagnole, à partir de 1478, destinée à maintenir l'orthodoxie catholique)
  • L'italien comme langue d'amour
  • Le français comme langue de diplomatie et de nombreuses cours royales (il y avait peu de femmes diplomates à l'époque)
  • L'allemand en tant que langue d'empire dont le cheval représentait la force et la conquête. (Le Saint Empire romain germanique était organisé conjointement avec le règne du royaume d'Allemagne, appelé plus tard le «Premier Reich»)

"Douter Thomas"

Un autre tableau sur un thème biblique, «Douter Thomas» est également connu sous le nom de «L’incrédulité de saint Thomas». Thomas, l'un des apôtres, doutait de la résurrection du Christ, affirmant qu'il n'y croirait pas avant de pouvoir placer son doigt là où les ongles avaient transpercé son corps crucifié. Caravaggio nous fournit une image incroyablement détaillée, viscérale et sanglante de la scène - il est même possible de voir les ongles sales de Thomas alors qu’il confirme la sensation de la plaie.

'Bacchus'

Bacchus était le nom romain de Dionysos, le dieu grec du vin, de la folie et de l'extase. Ici, il est, à juste titre, décrit par Caravaggio comme un adolescent italien du 17ème siècle. La peinture est intéressante pour un certain nombre de raisons: Beaucoup ont supposé que Caravaggio utilisait un miroir pour peindre, se faisant passer pour Bacchus (notez que le vin est tenu dans la main gauche de la figure). De plus, lors de la restauration de l’œuvre, un petit reflet du Caravage, pinceau à la main, a également été découvert sur la carafe à vin!

'Le diseur de bonne aventure'

Contrairement à la plupart des arts italiens de l’époque, ‘The Fortune Teller’ ne décrit pas une histoire tirée de la Bible ni de la mythologie gréco-romaine. C'est simplement une scène de la vie quotidienne, qui était populaire dans les peintures du nord de l'Europe et non de l'Italie. Le travail de Caravaggio montre un jeune homme fortuné qui fait naïvement confiance à une fille tsigane pour la lecture de sa paume. Il la regarde dans les yeux alors qu'elle glisse doucement une bague de son doigt! L’œuvre témoigne du penchant de l’artiste pour s’inspirer de la nature et des événements quotidiens plutôt que des œuvres des maîtres artistiques sacrés du passé.

«La décapitation de saint Jean-Baptiste»

Considéré comme l'une des œuvres les plus importantes de la peinture occidentale par l'auteur Andrea Pomella, ce chef-d'œuvre est le plus grand retable jamais peint par Caravaggio. La toile est si grande que les personnages ont à peu près la taille de la vie et sont suspendus principalement dans la Co-cathédrale Saint-Jean de Malte, l’église pour laquelle elle a été commandée à l’origine. L'huile représente l'exécution de Jean-Baptiste et est la seule œuvre que Caravaggio ait jamais signée. Sa signature, située dans le sang qui coule de la gorge de John, a été découverte lors de la restauration de l’œuvre.

«Judith décapitant Holopherne»

«Judith Beheading Holopheras» représente la première fois que Caravaggio a choisi de représenter un sujet aussi dramatique. Il a capturé le moment de la décapitation avec une touche dramatique en utilisant l'éclairage latéral sur un fond noir d'encre. Le réalisme de la scène est indéniable, marqué surtout par les expressions faciales des personnages. Holopherne se crispe et hurle, tandis que l’expression de Judith révèle un mélange de détermination et de répulsion. En fait, le réalisme de la peinture a amené certains à penser que le Caravage avait été influencé par l'exécution très médiatisée de Beatrice Cenci à Rome en 1599.

«David avec la tête de Goliath»

Par souci de cohérence - sinon de plaisanterie - nous continuons ici avec le thème de la décapitation et jetons un coup d’œil à "David avec la tête de Goliath" du Caravage. Un autre travail extrêmement dramatique et théâtral, David est représenté ne célébrant pas sa victoire sur le géant, mais perdu dans ses pensées, réfléchissant peut-être à son curieux lien biblique et à son lien avec son adversaire. Un autre aspect qui fait réfléchir est le fait que Caravaggio s'est peint lui-même comme Goliath. Il avait peint une autre version sur le même thème quelques années auparavant, mais celle-ci est beaucoup plus sombre, plus sombre et plus viscérale dans ses représentations.